"MacBeth"
es uno de los mayores logros, no sólo dentro del inigualable corpus del genio
de Stratford-upon-Avon, William Shakespeare, sino también de toda la
literatura universal, inspirando a grandísimos cineastas de la talla de Orson
Welles, Akira Kurosawa y Roman Polanski, los cuales nos han
legado magistrales adaptaciones de la tragedia (1948, 1957 y 1971,
respectivamente) que han pasado al rico acervo cultural de la Humanidad.
El Cine ha sido y es una
constante fuente de inspiración, no sólo para el gran público que asiste
regularmente a las salas para disfrutar de las películas tal y como éstas
merecen ser experimentadas, sino también, para los propios cineastas que han
hecho del Séptimo Arte, además de su profesión, su misma forma de vida. Cuando un realizador se sirve de una película para hablar sobre cine, revelando los entresijos de la industria y/o mostrando los pormenores relativos al proceso de creación de una obra cinematográfica, estaríamos hablando de lo que, en la jerga filológica, se conoce comúnmente como "metacine", es decir, "cine dentro de cine".
Existen demasiados ejemplos de este fascinante subgénero como para pretender enumerarlos todos, pero ahí iría una pequeñísima muestra: "El Crepúsculo de los Dioses" (1950) de Billy Wilder, "Cautivos del Mal" (1952) de Vincente Minnelli, "Cantando bajo la Lluvia" (1952) de Stanley Donen & Gene Kelly, "8 1/2" (1963) de Federico Fellini, "La Nuit Américaine" (1973) de François Truffaut, "Arrebato" (1979) de Ivan Zulueta, "Cinema Paradiso" (1988) de Giuseppe Tornatore, "Ed Wood" (1994) de Tim Burton, "La Mirada de Ulises" (1995) de Theodoros Angelopoulos, "Bowfinger, el pícaro" (1999) de Frank Oz, "La Sombra del Vampiro" (2000) de Elias Merhige, "The Artist" (2011) de Michel Hazanavicius, "La Invención de Hugo" (2011) de Martin Scorsese, "Al encuentro de Mr. Banks" (2013) de John Lee Hancock, "La ciudad de las estrellas (LA LA LAND)" (2016) de Damien Chazelle, "Érase una Vez en Hollywood" (2019) de Quentin Tarantino y, más recientemente, "La Última Película" (2021) de Pan Nalin y "Babylon" (2022) de Damien Chazelle.
Nacido en Düsseldorf en el año
1945, Ernst Wilhelm (Wim) Wenders es uno de los máximos
representantes de ese Nuevo Cine Alemán que surgió entre las décadas de los 60
y 80 y que estaría también abanderado por los cineastas Rainer Werner
Fassbinder y, muy en especial, mi admirado Werner Herzog.
En su primer largometraje, "Verano en la ciudad" (1971), ya se
podían apreciar algunas de las obsesiones temáticas recurrentes que marcarán
toda su fimografía: la crisis existencial como propulsora de la búsqueda de la
identidad a través del viaje, tanto interior como exterior, la relación antagónica
de amor-odio hacia el "American way of life" o la alienación,
soledad e incomunicación del hombre contemporáneo.
El director vietnamita afincado en Francia Trân Anh Hùng (El olor de la papaya verde, 1993) reúne a Benoît Magimel y Juliette Binoche, los cuales fueron pareja en la vida real, para protagonizar su nueva película, La passion de Dodin Bouffant, seleccionada por el país galo para competir por el Oscar en la categoría de “Mejor Película Internacional” después de que se alzara con el “Premio a la Mejor Dirección” en el Festival de Cannes de este año.
Es una película en donde no hay nada que entender. Si entras con el piloto automático de demandar lógica, razón, verdad, cronología, estructura, te vas a pelear con la película. Invito que la gente desconecte esa parte racional, que no vaya con la mente que piensa, sino con la mente que sabe, con el corazón. (Alejandro González Iñárritu)
Bardo, Falsa Crónica de unas Cuantas Verdades es el primer largometraje del laureado cineasta Alejandro González Iñárritu desde la excepcional El Renacido (The Revenant, 2015), película por la que recibiría su segundo Óscar en la categoría de Mejor Director (el primero se lo reportaría Birdman, o la inesperada virtud de la ignorancia un año antes) y sendos Globos de Oro en las categorías de Mejor Director y Mejor Película Dramática. Un palmarés ciertamente loable que vendría a refrendar el extraordinario talento del que, a día de hoy, está considerado como uno de los realizadores más importantes del Séptimo Arte.
Según la sinopsis oficial, la película nos propone una experiencia épica, inmersiva y visualmente sorprendente en torno al personaje de Silverio Gama, un renombrado periodista y documentalista mexicano residente en Los Ángeles que, con motivo de la recepción de un prestigioso premio internacional, se ve obligado a regresar a su país de origen y hacer las paces con su pasado, en un surrealista viaje de tintes existenciales que aborda temas tan diversos como la migración, la pérdida, la desubicación, la familia, el éxito o la memoria histórica.
Hasta donde alcanza mi memoria, ésta es la tercera película que he visto con el título de “Samsara”. La primera, por supuesto, fue ese gran clásico del cine espiritual dirigido por Pan Nalin en el año 2001. Diez años después, por supuesto, llegaría aquel hermoso viaje sensorial de Ron Fricke, concebido como una secuela inconfesa de su obra maestra “Baraka” (1992). La palabra saṃsāra, por cierto, proviene del sánscrito saṃsārí, cuyo significado vendría a ser algo así como 'fluir junto', 'pasar a través de diferentes estados', 'vagabundear'; hace referencia al ciclo constante de nacimiento, vida, muerte y reencarnación en la mayoría de las corrientes filosóficas y religiosas originadas en la India, muy especialmente el hinduismo y el budismo.
El artista conceptual y cineasta vigués Lois Patiño, uno de los máximos exponentes del Novo Cinema Galego presenta aquí su segunda gran docu-ficción después de la hipnótica "Lúa Vermella" (2020). Al igual que aquélla, "Samsara" es un largometraje que flirtea tanto con el cine experimental como con el cine documental, género este último en donde el director posee una amplia y dilatada experiencia. Patiño propone una experiencia inmersiva profundamente espiritual que fue reconocida, tras su paso por la Berlinale, con el Premio Especial del Jurado.
Basil Poledouris es conocido mundialmente por ser el compositor de una de las bandas sonoras más emblemáticas, maravillosas y perfectas de la historia del cine. Por supuesto, me refiero a “Conan el Bárbaro”, por mucho que ésta no sea, por supuesto, la única obra maestra que nos haya legado (cómo olvidar “Los Señores del Acero”, “Adiós al Rey”, “Los Miserables”, “Starship Troopers” y tantas y tantas otras). Pero “Conan el Bárbaro”… ésta juega en una liga propia, ¿verdad? A partir de este momento el compositor viviría una suerte de Edad Dorada en donde iría encadenando grandes proyectos, grandes triunfos, grandes logros… que lo convertirían en uno de los grandes compositores cinematográficos de la década de los 80 y 90. Dicha Edad Dorada había pasado ya cuando conocí a Basil aquel verano del año 2006, en Úbeda (Jaén).
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