El director islandés Hlynur Pálmason se inspira, supuestamente, en las primeras fotografías que se conservarían de la costa de Islandia, tomadas por un danés a finales del siglo XIX, para narrar, en su tercer largometraje, la historia de un sacerdote que viaja de Dinamarca a Islandia (aún colonia danesa) con la misión de construir allí una iglesia y, de paso, realizar un estudio etnográfico de sus habitantes a través de su cámara.
Sinopsis: Mahito, un joven de 12 años, lucha por asentarse en una nueva ciudad tras la muerte de su madre. Sin embargo, cuando una garza parlante le informa de que su madre sigue viva, entrará en una torre abandonada en su busca, lo que le llevará a otro mundo, compartido por los vivos y los muertos. Allí es donde la muerte llega a su fin y la vida encuentra un nuevo comienzo. La película nos ofrece una conmovedora y deslumbrante fantasía semiautobiográfica sobre la vida, la muerte y la creación.
"El chico y la garza"
(“Kimitachi wa dô ikiru ka”, 2023) nos brinda la nueva ensoñación
del gran Maestro tokiota Hayao Miyazaki, co-fundador del mítico Studio
Ghibli, el cual regresa a los 82 años de edad para volver a reivindicar el
cine de animación como una elevada y exquisita forma de arte capaz de apelar a
nuestras emociones más profundas.
La película combina animación
digital y tradicional para lograr un espectáculo visual exuberante y
embriagador (qué impresionante es la escena inicial del incendio). Todo ello al
servicio de esa desbordante imaginación de la que Miyazaki lleva
haciendo alarde desde hace más de cuatro décadas, como puede apreciarse en
algunas de sus obras maestras más tempranas: “Lupin III: El castillo de
Cagliostro” (“Rupan Sansei: Kariosutoro no Shiro”, 1979) y
“Nausicaä del valle del viento” (“Kaze no Tani no Naushika”,
1984).
Sinopsis: Giovanni,
un conocido cineasta italiano, se prepara para rodar su nueva obra, una
película sobre la vida de un intelectual comunista en el fatídico 1956, año de
la invasión soviética de Hungría. Sus problemas conyugales y familiares se
unirán a los de un rodaje, cuando menos, convulso. Llevado al límite por toda
una avalancha de calamidades, Giovanni va a tener que replantearse su manera de
hacer las cosas, si es que, realmente, está dispuesto a dar un salto hacia un
futuro algo más brillante.
El gran Nanni Moretti vuelve a rodearse de algunos de sus habituales
colaboradores (Silvio Orlando y Margherita Buy, entre otros) para
regalarnos su triunfal regreso a la dirección desde “Tres pisos” ("Tre
piani", 2021). Es también su regreso a la comedia satírica después
de muchos años, y lo hace por todo lo alto con la que sin duda está llamada a
ser una de las más brillantes e ingeniosas obras de toda su filmografía.
Ya en el propio cartel de “El
sol del futuro” ("Il sol dell'avvenire", 2023) encontramos
una referencia, en absoluto velada, a una de sus películas cómicas más
apreciadas por el público, “Querido diario” ("Caro diario",
1993), estrenada justamente hace 30 años. En este caso se reemplaza la ya
icónica vespa por el patinete eléctrico para satirizar, con la agudeza y el
sarcasmo que le caracterizan, eso que llamamos "la modernidad".
Sinopsis: A principios del siglo XX, el petróleo brindó una gran fortuna a la Nación Osage, que se convirtió en uno de los pueblos más ricos del mundo de la noche a la mañana. La riqueza de estos nativos americanos atrajo inmediatamente a intrusos blancos que manipularon, extorsionaron y robaron tanto dinero como pudieron antes de recurrir al asesinato. Basada en una historia real y contada a través del improbable romance entre un hombre blanco y una indígena Osage, "Los asesinos de la luna" explora uno de los capítulos más oscuros de la historia fundacional de los Estados Unidos de América.
Martin Scorsese pertenece a una generación gloriosa en la historia del cine norteamericano. La misma generación a la que pertenecen titanes como Francis Ford Coppola, William Friedkin, Arthur Penn, Sam Peckinpah, Robert Altman, Peter Bogdanovich, Woody Allen, Brian De Palma, Paul Schrader, Sydney Pollack, Sidney Lumet, Michael Cimino y, por supuesto, mi adorado Terrence Malick, el más espiritual de todos ellos.
Es una generación de grandes
cineastas y, también, narradores. De todos ellos, Scorsese siempre ha
sido uno de los mejores. Actualmente no hay muchos directores en activo que
sepan narrar una historia como él. Es tan rematadamente bueno en lo suyo, que
puede permitirse apelar a nuestra paciencia, fidelidad y atención durante las tres
horas y media que dura su último trabajo, "Los Asesinos de la Luna"
(“Killers of the Flower Moon”, 2023), en la convicción de que el
interés por la historia que nos está contando no va a decaer, en ningún
momento, en aburrimiento.
Después de incursionar en el género del terror con las películas “La bruja” (“The Witch”, 2015) y “El faro” (“The Lighthouse”, 2019), el director norteamericano Robert Eggers se consagra como una de las voces más personales e interesantes del panorama cinematográfico actual con esta shakespeariana historia de vikingos, una ambiciosa obra de madurez que consigue desmarcarse del tono de sus anteriores proyectos sin renunciar a su muy personal estilo visual y narrativo. El cineasta nos demuestra que es posible (y necesario) elaborar un cine de entretenimiento adulto y que vaya totalmente a contracorriente de las modas imperantes en la actualidad, aunando espectáculo y un sentido artístico poco común en este tipo de producciones. Éste es, sin duda, uno de los principales logros de la película.
Resulta emocionante ver a Eggers
realizar la transición a proyectos de esta envergadura sin traicionar sus señas
de identidad, tanto estéticas como narrativas. No sólo no reniega de ellas,
sino que muestra una encomiable evolución artística con respecto a sus dos
anteriores películas, bastante más sobrias en su envoltorio formal y de
cadencia mucho más pausada. Si bien en “La bruja” este tempo
contribuía eficazmente, sin lugar a dudas, a tejer una fatídica y opresiva
telaraña que engullía nuestra alma en un abismo de desolación, en el caso de “El
Faro”, por el contrario, dicha parsimonia en el desarrollo narrativo de
la historia derivaba en serios problemas de ritmo que terminaban lastrando una
película excesiva y tremendamente irregular.
"La música no es entretenida, sino una oportunidad única de pasar de lo transitorio a lo eterno" (Maestro Sergiu Celibidache)
Dirigida por Marie-Castille Mention-Schaar, "Divertimento" recrea la historia real de Zahia Ziouani, una chica francesa de origen argelino que vive en un barrio a las afueras de París y que luchará contra todo tipo de prejuicios sociales, raciales y de género para cumplir su sueño de convertirse en directora de orquesta. No es ésta, por cierto, la primera película en abordar el papel de la mujer en un mundo tan hermético como éste, el de la dirección de orquesta, tradicionalmente reservado a los hombres.
Hace cinco años, sin ir más
lejos, la directora, productora y guionista holandesa Maria Peters
estrenó "La directora de orquesta" ("De
Dirigent", 2018), en donde se abordaba la historia, también real,
de Antonia Louisa Brico (1902-1989), directora de orquesta y pianista
neerlandesa que tiene el honor de haber sido, además, la primera mujer en
dirigir la Berliner Philarmoniker y la New York Philharmonic
Orchestra. Por supuesto, a principios de 2023 el director Todd Field
estrenó en nuestro país la magistral "TÁR", una de las grandes
Obras Maestras de ese año. En cierto modo, podríamos considerar la obra que
aquí nos ocupa como el reverso luminoso y amable de la obra de Field.
Adaptar al cine (o cualquier otro medio) la vida de una personalidad de la magnitud artística y cultural de Leonard Bernstein (1918-1990) conlleva una enorme responsabilidad. El responsable debe tomarse la molestia de indagar en el legado del homenajeado y, por supuesto, estar intelectualmente a la altura del desafío que supone adentrarse en la mente y el alma de un genio de tal calibre.
Soy plenamente consciente, por cierto, de que "genio" es una palabra que usamos muy a menudo y, muchas veces, demasiado a la ligera. Hasta tal punto es así, que podría parecer que ha llegado incluso a perder un poco su sentido primordial, es decir, "la capacidad mental extraordinaria para crear o inventar cosas nuevas y admirables" (RAE dixit).
Leonard Bernstein fue un
Genio. De los de verdad. Su aportación a las artes y la cultura del siglo XX, es
algo invaluable. Desgraciadamente, si te acercas a la película "Maestro"
(Bradley Cooper, 2023) con la ingenua predisposición a descubrir quién
fue Bernstein y por qué está considerado como una de las más grandes
batutas del siglo XX... ¡ay! lo más probable es que tu percepción de la figura
de Lenny no se haya enriquecido o expandido lo más mínimo después
de verla.
"MacBeth"
es uno de los mayores logros, no sólo dentro del inigualable corpus del genio
de Stratford-upon-Avon, William Shakespeare, sino también de toda la
literatura universal, inspirando a grandísimos cineastas de la talla de Orson
Welles, Akira Kurosawa y Roman Polanski, los cuales nos han
legado magistrales adaptaciones de la tragedia (1948, 1957 y 1971,
respectivamente) que han pasado al rico acervo cultural de la Humanidad.
El Cine ha sido y es una
constante fuente de inspiración, no sólo para el gran público que asiste
regularmente a las salas para disfrutar de las películas tal y como éstas
merecen ser experimentadas, sino también, para los propios cineastas que han
hecho del Séptimo Arte, además de su profesión, su misma forma de vida. Cuando un realizador se sirve de una película para hablar sobre cine, revelando los entresijos de la industria y/o mostrando los pormenores relativos al proceso de creación de una obra cinematográfica, estaríamos hablando de lo que, en la jerga filológica, se conoce comúnmente como "metacine", es decir, "cine dentro de cine".
Existen demasiados ejemplos de este fascinante subgénero como para pretender enumerarlos todos, pero ahí iría una pequeñísima muestra: "El Crepúsculo de los Dioses" (1950) de Billy Wilder, "Cautivos del Mal" (1952) de Vincente Minnelli, "Cantando bajo la Lluvia" (1952) de Stanley Donen & Gene Kelly, "8 1/2" (1963) de Federico Fellini, "La Nuit Américaine" (1973) de François Truffaut, "Arrebato" (1979) de Ivan Zulueta, "Cinema Paradiso" (1988) de Giuseppe Tornatore, "Ed Wood" (1994) de Tim Burton, "La Mirada de Ulises" (1995) de Theodoros Angelopoulos, "Bowfinger, el pícaro" (1999) de Frank Oz, "La Sombra del Vampiro" (2000) de Elias Merhige, "The Artist" (2011) de Michel Hazanavicius, "La Invención de Hugo" (2011) de Martin Scorsese, "Al encuentro de Mr. Banks" (2013) de John Lee Hancock, "La ciudad de las estrellas (LA LA LAND)" (2016) de Damien Chazelle, "Érase una Vez en Hollywood" (2019) de Quentin Tarantino y, más recientemente, "La Última Película" (2021) de Pan Nalin y "Babylon" (2022) de Damien Chazelle.
