El ansia (The Hunger, 1983): Análisis de la película y su banda sonora

Dir. Tony Scott
Int. Catherine Deneuve, David Bowie, Susan Sarandon.
97 minutos, EE.UU.


1. INTRODUCCIÓN.

La década de los ochenta marcó una etapa decisiva en la búsqueda de nuevos horizontes, perspectivas y actitudes que ayudaron a regenerar y perpetuar así el mito del vampiro. Poco a poco se fueron abandonando viejas fórmulas ya totalmente caducas, obsoletas y anacrónicas, de modo que cada vez eran menos, por fortuna, los filmes que persistían en presentar al vampiro como un aristócrata (y además, siempre un conde. ¿Es que no hay otros títulos nobiliarios?) elegante, culto, con acento centroeuropeo y con un capa negra con forro de color carmesí.




Se entenderá, en definitiva, que una criatura como el vampiro debe renovarse o morir, y renovarse implica adaptarse a los nuevos y cambiantes tiempos. Así, y aunque ya se podían encontrar aislados ejemplos de esta nueva visión del vampiro en la década anterior, será en lo ochenta cuando se instaure definitivamente el "vampiro urbano", vampiro que vive y se comporta como un ser humano corriente, que tiene su vida en la ciudad, entorno al que ha aprendido a adaptarse, y también del que ha hecho su perfecto cubil. Uno de los ejemplos más importantes de esta nueva visión es "The Hunger", dirigida sabiamente por Tony Scott en 1983, y protagonizada por Catherine Deneuve, Susan Sarandon y David Bowie.




2. ANTECEDENTE LITERARIO.

La película es una adaptación de la novela homónima escrita por Whitley Strieber en 1981, con la que encontramos ciertas importantes divergencias, pese a que ambas siguen la misma premisa argumental. La novela presenta a su protagonista, Miriam Blaylock, como una vampira inmortal alienígena (de ahí que los elementos iconográficos cristianos no produzcan ningún efecto en estas criaturas, pues están al margen de la religión) que vive en la tierra desde hace siglos y busca amantes humanos de ambos sexos con los que compartir su eternidad, transformándolos vampiros. Estos vampiros humanos, sin embargo, no acaban por ser del todo inmortales, y comienzan a envejecer y marchitarse al cabo de uno o más siglos de vida vampírica.



La novela es un referente ineludible en la tradición literaria sobre vampiros del siglo XX, junto con "El Misterio de Salem’s Lot" de Stephen King, "Soy Leyenda" de Richard Matheson, "Entrevista con el Vampiro" de Anne Rice o "El Vampiro de las Nieblas" de Christie Golden. Parte de su éxito se debe a su acierto a la hora de traer el mito del vampiro a los tiempos modernos, presentando un origen alienígena del mal, tal y como hiciera Colin Wilson, si bien desde una perspectiva distinta, en su obra "The Space Vampires", que también dejaría su impronta en el mundo del séptimo arte gracias a la estupenda "Lifeforce" de Tobe Hooper, rodada tres años después de la adaptación de "El Ansia". La obra de Strieber es especialmente destacable, además, por la asociación que establece entre vampirismo y enfermedad sanguínea y también por el uso de un marcado componente erótico lésbico.


3. LA PELÍCULA.

3.1. Diferencias entre la película y la novela.

Como se comentó en el anterior apartado, la adaptación cinematográfica respeta el esquema argumental básico de la obra de Strieber, pero se desvía del texto original en algunos aspectos de la historia, tomándose ciertas licencias que hacen de la película una obra con entidad propia al margen de la novela. El punto de divergencia más interesante tiene que ver con el origen de Miriam Blaylock. Aunque es cierto que la película no ahonda tanto en la historia y el origen de la maldición y no explota en definitiva todo el material del que partió Strieber a la hora de elaborar su historia, la película de Scott sitúa los orígenes de la vampira en el antiguo Egipto, descartando así el elemento extraterrestre presente en la historia original. En cualquier caso, la película sí toma como eje fundamental la relación entre vampirismo y enfermedad sanguínea tal y como lo concibió el autor, sin obviar esa marcada promiscuidad sexual que caracteriza a la protagonista.




3.2. Argumento de la película.

La historia de la película gira en torno a tres personajes principales: por un lado, está Miriam, la primera vampira, el origen de todo el mal, y sobre la que pesa la maldición de la inmortalidad. Para sobrellevar esta condenación, Miriam accede a hacer partícipes de la misma a sus amantes, de modo que puedan vivir juntos para toda la eternidad. Sin embargo, la naturaleza del mal, o, lo que es lo mismo, del vampirismo, es un tanto caprichosa, ya que no afecta por igual a las víctimas de Miriam, las cuales acaban por sufrir un acelerado proceso de envejecimiento y momificación pasado un tiempo indeterminado, negándoseles pues la posibilidad de permanecer por siempre jóvenes junto a su amante. Por el contrario, se transforman en podridas y podridas momias que conservan el “don” de la vida inmortal pero no el de la eterna juventud y la belleza. Miriam va conservando los cuerpos inmóviles de todos sus amantes en féretros apilados en un ático de su lujoso loft. Está condenada a enamorarse y a que la historia se vuelva a repetir una y otra vez, aunque siempre conserve la futil esperanza de que, algún día, podrá compartir su condenación eternamente con otra persona sin que ésta sufra los terribles efectos de su abrazo.

La última de las víctimas involuntarias de Miriam es John, un vampiro interpretado por David Bowie, el cual vive junto a Miriam en un bello y sofisticado edificio donde dan clases de música a una joven que parece sentir mucho afecto por Miriam. Cuando cae la noche, sin embargo, los dos chupasangres demuestran que esta sofisticación y este refinamiento no están reñidos con su condición depredadora, y acuden a pubs nocturnos en busca de víctimas a las que seducen para, posteriormente, chuparles la sangre utilizando un cuchillo de claras reminiscencias egipcias. El amante de Miriam no tarda en descubrir que lo que le prometió su amada no era del todo exacto, y empieza a comprender el precio que tiene que pagar por tantas y tantas décadas de amor inmortal junto a su amante. Poco a poco, su pelo empieza a caer, su piel a arrugarse, y su vitalidad a extinguirse inexorablemente. El vampiro es consciente de que es un proceso irreversible, aunque busca ayuda para poder frenar su acelerado envejecimiento.

Y aquí es donde entra nuestro tercer personaje principal, una doctora interpretada por Sarandon que investiga una cura contra el envejecimiento y la clave de la eterna juventud. Por desgracia ésta se muestra algo reticente a satisfacer las vehementes y angustiosas peticiones de ayuda del vampiro, lo cual, unido a su acelerado proceso de marchitamiento, acaba por convertirlo en una momia más, incapaz de moverse y proseguir con la vida de placer y sensualidad que hasta ese momento había llevado junto a su amada. Ésta no tendrá otra alternativa que renunciar a él, llevarlo al ático y colocarlo en un ataúd junto a sus anteriores amantes / víctimas, tal y como lleva haciendo desde el principio de su existencia. En este instante la doctora pasará a ocupar el puesto de John en los intereses afectivos de la vampira, que acabará por seducirla y convertirla, transmitiéndole su maldición en un ritual de carácter sexual en el que Sarah probará la sangre de Miriam, contagiándose así del mal de ésta. Poco a poco Sarah empieza a comprobar los efectos de la “enfermedad”, a medida que nota cómo crece en ella una inusitada ansia de sangre. Esta ansia la llevará a un estado de frenesí que únicamente puede saciarse probando sangre humana, y que tendrá terribles repercusiones, no sólo para Sarah, sino también para aquellos a los que ama.




3.3. Comentarios y reflexiones acerca de la película.

En definitiva, nos encontramos con una hermosa y lírica reflexión sobre los límites del amor y la inmortalidad, aunque, por desgracia, para muchos esta película es recordada únicamente por algo tan nimio como el polémico número de sexo lésbico entre Miriam y Sarah al compás de la aria Lakmé de Delibes. Con relación al componente erótico de esta película, los autores Noelia Indurain y Óscar Urbiola comentan en su obra "Vampiros, El Mito de los No Muertos":

"A lo largo del filme se expone claramente el tema de la libertad sexual, muy de moda durante de la década de los ochenta. Ya en el propio comienzo del mismo, el intercambio de parejas es un hecho consumado, dando paso, posteriormente, a la bisexualidad marcada en la existencia de lo vampiros". (464)


Mucho se ha hablado, la mayor parte de las veces en forma de crítica, acerca del grado de sofisticación estética de esta película, que no oculta la experiencia del por aquel entonces director novel Tony Scott, en el mundo de los videoclips. Incluso se ha llegado a comparar esta película con un bonito anuncio que se regodea en la apariencia formal pero no en el contenido. Dicho de otro modo, gran parte de las críticas consideran la película debut del hermano de Ridley Scott como un ejemplo de de cine en el que prima el estilo sobre la sustancia (“style over substance”). Es cierto que el elemento formal y estético tiene una especial importancia dentro del contexto de la historia, pero también es verdad que "El Ansia" no se limita a ofrecer bellos encuadres con música de Schubert de fondo, sino que todos y cada uno de estos elementos, fotografía, decorados, música... la puesta en escena está al servicio de una historia emotiva y bien contada de principio a final. Los actores cumplen perfectamente su cometido, especialmente la pareja formada por Catherine Deneuve y Susan Sarandon. David Bowie, por desgracia, no tiene apenas oportunidades de lucirse, enterrado bajo toda esa capa de maquillaje que le da un aspecto momificado y aterrador al poco de empezar la película. Deneuve nos ofrece una de las vampiras más antológicas e influyentes de la historia del género, un personaje enigmático, seductor y también letal, abocado a un destino trágico.



A nivel formal, la fotografía es especialmente hermosa, como también lo son los decorados y la música empleada. Es importante considerar la caracterización que ofrece esta historia del vampiro como una criatura exquisita, sofisticada y elegante, que escuchan música clásica y con un gusto muy especial por la arquitectura y la decoración. En ese sentido, la historia hace una interesante reflexión sobre la importancia del aspecto externo dentro del contexto de la historia. Los vampiros de esta película quieren vivir bellos y jóvenes para siempre, en un hedonismo atemporal y complaciente. Esa belleza externa no está exenta de vacío. El lugar donde viven Miriam y John es a buen seguro un sitio precioso para vivir, pero también un lugar vacío y amargo, para nada cálido. La belleza de los decorados es una belleza irreal, frágil, como la belleza artificial de los amantes de Miriam, que acaban por encontrarse con la verdadera realidad al cabo de un tiempo. John, al igual que el resto de los amantes de Miriam, fue capaz de esquivar al tiempo durante un período muy largo de años, pero esa juventud no era más que una ilusión, y como tal es efímera.

Al cabo de unos siglos, inesperadamente, John empieza a envejecer, y lo hace aceleradamente. La muerte está cobrándose el precio de su engaño. Su espíritu no envejece, pero sí su cuerpo. Aunque en el interior haya vida, el cuerpo se pudre y se marchita, y ya no es de utilidad para Miriam. El ático en donde la vampira deposita los cuerpos de sus amantes posee una cualidad feérica, onírica, de ensueño, con una tenue luz lánguida, pálida, tan muerta como los cuerpos contenidos en los ataúdes. Los vampiros de "El Ansia" intentan detener el tiempo y vivir para siempre en un estado de eterno regodeamiento en los placeres mundanos, tanto sexuales como espirituales (por ejemplo su afición por la música). Por todo ello, esta película consigue en todo momento reflejar esa vida irreal, atemporal, de los vampiros, sin olvidar en absoluto una trama trágica y conmovedora que está sustentada en las relaciones establecidas entre los personajes de la historia.


3.4. Simbolismo en "El Ansia": el Ankh.

La película posee al mismo tiempo un simbolismo que no podemos dejar pasar, y que gira alrededor de la cultura egipcia, como puede comprobarse en algunos flashbacks que interrumpen fugazmente la narración de la historia y también en algunos objetos como el cuchillo con forma de ankh que utiliza Miriam para desangrar a sus víctimas, un símbolo de la vida eterna, y que constituye un elemento de gran importancia para la comprensión de la historia tal y como está planteada en la película.



Esta cruz fue un símbolo de gran importancia en el Egipto faraónico. La misma palabra significa “vida”, y también “vivir”. El ankh simboliza no sólo la vida eterna, sino también poder para dar y mantener la vida, lo cual explicaría el destino del personaje interpretado por Susan Sarandon cuando se sacrifica clavándose el cuchillo y, al morir Miriam, toma el relevo como nueva Reina de los Vampiros y Portadora de la Maldición. Los reyes egipcios estaban muy unidos a este símbolo, ya sea porque les fuera dado directamente por los dioses o bien porque, como portadores del mismo, daban vida a su pueblo. El ankh alarga la vida y concede la inmortalidad a aquellos que lo llevan, canalizando el poder divino que da vida al universo y otorgándolo al portador. Como talismán, protege contra la decadencia y la degeneración, tanto física como corporal.


3.5. El Vampirismo en "El Ansia".

En lo que atañe a la caracterización de los vampiros, esta película se aparta del modelo de vampiro sanguinario, entroncando en este sentido más con la tradición humanizada de las criaturas de la noche. "El Ansia" hace hincapié en los sentimientos de los vampiros, en sus aspiraciones y frustraciones, y ahonda en ellos como criaturas malditas abocadas a un final trágico de soledad. No hay referencias a la palabra “vampiro” en toda la película, y es que "El Ansia" ofrece una aproximación muy sui generis del mito. No hay colmillos ensangrentados, los vampiros sí se reflejan en los espejos, pueden caminar a la luz del sol y, como se comentó anteriormente, los símbolos religiosos no tienen ningún efecto en ellos. El vampirismo se utiliza como una excusa para reflexionar sobre cuestiones trascendentes dentro de un marco narrativo no exento de ciertos elementos terroríficos. Los vampiros de "El Ansia" son seres marginales, que se integran para sobrevivir pero deben cargar con una terrible maldición. Son seres humanizados con sentimientos y un gusto refinado por lo bello, lo cual no está reñido con una idea de la subsistencia muy práctica y realista, y es que estos vampiros hacen del acto de alimentarse todo un ritual no carente de cierto elemento de juego, de caza. Estos vampiros gustan de seducir a sus víctimas antes de desangrarlas. Son criaturas que luchan por encontrar su hueco en la vida y vivirla al margen de las limitaciones mortales. En cualquier caso, "El Ansia" aborda el tema de la inmortalidad y la muerte de un modo elegante y digno, y en ningún momento se convierte en un aburrido folletín de sobremesa. Es una película que cuenta una bella historia, pero que en ningún momento abusa del sentimentalismo con fines comerciales y se aparta de una visión humanizada, sí, pero digna, de estos nuevos vampiros urbanos.




3.6. Conclusiones finales.

En definitiva, nos encontramos ante un título mítico del género, y también ante una de las películas más importantes y hermosas del género vampírico, una interesante vuelta de tuerca a la clásica historia de vampiros chupasangres y que sin duda marcó una época y una forma de concebir este tipo de cine, tanto por su aportación al mito (gracias a la obra de Strieber) como por algunas escenas antológicas que permanecen indelebles en la memoria del aficionado.


4. LA MÚSICA.

4.1. "Bela Lugosi’s Dead": la música gótica en "El Ansia".

Cuando se habla acerca de la música de "El Ansia" lo primero que se le viene a la mente al aficionado es el tema “Bela Lugosi’s Dead”, que abre las primeras escenas de la película, que tienen lugar en un pub nocturno, donde Miriam y John Blaylock observan y esperan, buscando nuevas víctimas con las que saciar su sed de sangre. Este tema está interpretado por el grupo Bauhaus, y es todo un emblema de la cultura gótica que tanta repercusión tuvo en la década de los 80.



A continuación ofrecemos la letra de este estupendo corte:

White on white translucent black capes
Back on the rack
Bela Lugosi's dead
The bats have left the bell tower
The victims have been bled
Red velvet lines the black box

Bela Lugosi's dead
Undead undead undead

The virginal brides file past his tomb
Strewn with time's dead flowers
Bereft in deathly bloom
Alone in a darkened room
The count

Bela Logosi's dead
Undead undead undead

Oh bela
Bela's undead

En realidad la decisión de utilizar este célebre tema del legendario grupo de rock gótico no se debe al azar, sino que tiene un sentido claro y unívoco dentro de la historia de la película. "Bela Lugosi’s Dead". Bela Lugosi, el mítico actor que encarnara al célebre Conde Drácula en la irregular adaptación de Tod Browning allá por los comienzos de la década de los 30... con su capa negra, su piel pálida, su castillo ruinoso cubierto de telarañas... Lugosi es elevado a la categoría de emblema de la cultura gótica, y también erigido como máximo exponente y representante dentro de esta cultura urbana de los ochenta. Su Drácula representa al vampiro anacrónico, obsoleto, marginado, outsider... justo lo opuesto a lo que vamos a encontrar en "El Ansia". Claramente podemos interpretar el uso de este tema como toda una declaración de principios por parte de los responsables de este proyecto: “hey, olvidáos del clásico vampiro con capa, traje de chaqueta, acento centro-europeo, que vive en castillo y duerme en un ataúd por el día para despertar a la medianoche, cuando suenan las campanadas del reloj. Esa imagen ya ha dado todo lo que podía y más de sí.” Los vampiros de "El Ansia" suponen la bienvenida a un tipo distinto de criatura de la noche. Bauhaus alcanzó un merecido reconocimiento con este extraordinario tema. Este grupo de los ochenta, formado por Peter Murphy, Daniel Ash, Daniel J. y Kevin Haskins se convirtió en un importante baluarte de toda una cultura.




4.2. El score.

La banda sonora de "El Ansia", no obstante, puede dividirse en dos grandes bloques musicales: por un lado, el score propiamente dicho, compuesto por Michel Rubini y Denny Jaeger, y por otro, una selección de temas clásicos que tienen una función tanto o más importante incluso que la anterior dentro del contexto de la historia.

Del score de Rubini y Jaeger poco se puede decir, ya que constituye un trabajo en mi opinión insufrible, una sucesión de cortes excéntricos en los que prima la atonalidad, el ruido, sin que haya un motivo claro que justifique esta elección. Encontramos seis cortes de esta pareja en la edición oficial de Varèse Sarabande de la banda sonora. Si tuviéramos que destacar uno podríamos hacer mención al tema “Beach House” (3:04), que se escucha en el momento en el que los vampiros llegan al piso de sus víctimas, una pareja a la que conocen en un pub nocturno. El intercambio de parejas nos da desde el principio una idea de la promiscuidad sexual de estos vampiros. Miriam se va con el hombre y John se queda con la mujer, y cada uno inicia un juego de seducción con su víctima, juego que termina con un rápido corte, una muerte inevitable, y el fluir del elixir de la vida y la eterna juventud. La música de Rubini y Jaeger acentúa muy adecuadamente la tensión del momento, subrayando el aspecto más terrorífico de la escena, anticipando que algo terrible va a ocurrir. La música es totalmente electrónica, y además incluye una voz femenina en el momento de mayor intensidad dramática.



No es una música de fácil y placentera escucha, pero es que en realidad no hay nada en el score que resulte a mi juicio mínimamente interesante. Por un lado el abuso del ruido y la extravagancia elevada a los límites más insoportables no contribuye a generar ninguna sensación de terror, sino más bien un agudo dolor de cabeza que amenaza con no menguar a menos que se pulse el botón de parada del reproductor de nuestro equipo de música. He de reconocer que la selección de Varèse se deja fuera algunos momentos musicales que sí me parecieron muy interesantes en la película, pero que, en estos momentos, no sabría decir si pertenecen al score de Rubini y Jaeger o si, por el contrario, son temas clásicos, por lo que, en caso de duda, y ciñéndome al material incluido en este cd, no puedo dar mucho crédito a un trabajo que me parece hace un flaco favor a una película tan sentida y hermosa como ésta. Los restantes temas del score son:

- "Waiting Room", que se escucha en la escena en la que un envejecido David Bowie aguarda en la sala de espera una consulta con la doctora Sarah, consulta que nunca llegará. El tiempo pasa, y John es cada vez más consciente de que la doctora no ha tomado sus ruegos muy en serio, ni tampoco su cordura (1:50)

- "Sarah’s Panic" (1:50)

- "The Arisen". El título hace referencia a la escena en la que los amantes de Miriam se levantan de sus tumbas clamando venganza contra la responsable de su estado, esto es, Miriam. La escena es caótica, frenética y delirante (5:31)

- "Sarah’s Transformation" (1:03)

- "The Final Death" (2:12)

Lo realmente frustrante e irritante de este trabajo es que todos los temas suenan prácticamente igual, ya que estilísticamente se reducen a la sucesión de ruidos y sonidos sin otra aparente y pretendida finalidad que la pura experimentación formal. Como obra de vanguardia hasta puede tener un pase, pero como música para una película de terror es simplemente una soberana tomadura de pelo, y también una completa pérdida de tiempo.


4.3. Schubert, Allegri, Delibes y Bach.

Afortunadamente, la música incidental de este dúo no tiene más que un papel secundario en la película, ya que el rol principal a efectos descriptivos la tiene la muy cuidada e interesante selección de temas clásicos que ofrece esta película, en parte justificados por los gustos musicales de la pareja protagonista. Sin embargo, y como veremos a continuación, todos y cada uno de los temas incluidos en la película tienen una finalidad específica, y ayudan a entender y acentuar elementos de la narración y descripción de los personajes.

Esta selección de música clásica está representada en la edición oficial de Varèse por tres grupos claramente distinguidos: 4.3.a) por un lado, la música de de Johann Sebastian Bach, que se utiliza en las clases de violín que Miriam y John imparten a su alumna. Especialmente destacable es la "Suite #1 For Solo Cello in G-Major: Preludium" (2:14), que se corresponde con el momento en el que, en el transcurso de una de las clases, John Blaylock empieza a sentir los efectos de su inminente envejecimiento: cansancio, insomnio... John es consciente de que algo va mal, y su preocupación aparece reflejada perfectamente en este corte y en el sonido de los violines.



4.3.b) Por otro lado, encontramos un extracto del aria "Lakmé" de Leo Delibes (6:05), un precioso tema que se corresponde con un célebre dueto que constituye al día de hoy todo un clásico en este tipo de música. A continuación ofrecemos el texto íntegro del dueto tal y como puede escucharse en la grabación original, en francés, y después una traducción al inglés:

"THE FLOWER DUET" (LAKME) – LEO DELIBES

Sous le dôme épais où le blanc jasmin
A la rose s'assemble
Sur la rive en fleurs riant au matin
Doucement glissons De son flot charmant
Suivons le courant fuyant
Dans l'onde frémissante
D'une main nonchalante
Viens, gagnons le bord,
Où la source dort et
L'oiseau, l'oiseau chante.
Sous le dôme épais ou le blanc jasmin,
Ah! descendons
Ensemble!
Sous le dôme épais où le blanc jasmin
A la rose s'assemble
Sur la rive en fleurs riant au matin
Viens, descendons ensemble
Doucement glissons de son flot charmant,
Suivons le courant fuyant
Dans l'onde frémissante
D'une main nonchalante
Viens, gagnons le bord
Où la source dort et
L'oiseau, l'oiseau chante.
Sous le dôme épais ou le blanc jasmin,
Ah! descendons
Ensemble!

(Traducción al inglés)

Under a dome of white jasmine
With the roses entwined together
On a river bank covered with flowers laughing in the morning
Gently floating on it's charming risings
On the river's current
On the shining waves
One hand reaches
Reaches for the bank
Where the spring sleeps and
The birds, the birds sing.
Under a dome of white jasmine
Ah! calling us
Together!
Under a dome of white jasmine
With the roses entwined together
On a river bank covered with flowers laughing in the morning
Let us descend together
Gently floating on it's charming risings,
On the river's current
On the shining waves,
One hand reaches,
Reaches for the bank,
Where the spring sleeps,
And the birds, the birds sing.
Under a dome of white jasmine
Ah! calling us
Together!

Delibes tomó como eje central a la hora de escribir "Lakmé" el tema del amor prohibido e imposible. La historia, ambientada en una India ocupada por el Imperio Británico, gira en torno a la trágica historia de Lakme, la hija sagrada de un sacerdote (brahmân) indio con un profundo odio hacia los invasores europeos, y su imposible relación con un teniente británico llamado Gerald. Intrigado por la leyenda de su belleza, y por la prohibición impuesta de que ningún hombre pueda jamás contemplar tal belleza, Gerald termina por hacer caso omiso de dicha prohibición. En el momento en el que el inglés contempla a la joven india, se enamora perdidamente de ella, aunque su amor parece estar abocado al fracaso. Quienes estén interesados pueden encontrar un resumen de esta ópera en tres actos, en español, en el siguiente enlace:

http://es.geocities.com/rtorregrosa/argumentos/lakme.htm

También hay interesante información y fotos sobre dicha obra en estos otros enlaces:

http://www.btinternet.com/~englang/lakme.htm

http://www.emiclassics.com/newreleases/sep98/lakme.html

El dueto que puede escucharse en este fragmento está protagonizado por la bella Lakmé y su sirviente, Mallika, las cuales marchan río arriba en una barca para para recoger flores de loto azul con las que obsequiar a una divinidad. Mucho se ha hablado acerca de la relación entre Lakmé y Mallika, la cual, según algunas interpretaciones, va más allá de la mera amistad, convirtiendo a ambos personajes en amantes. Es esto precisamente lo que Miriam le cuenta a la doctora Sarah antes de convertirla. Mientras interpreta la bella melodía al piano, la vampira le cuenta a la doctora la “verdadera” historia de Lakmé, y de cómo ella y Mallika se amaban. Miriam establece de este modo una analogía entre su relación con la doctora por un lado, y, por otro, la relación de las dos mujeres indias de la ópera de Lakmé, declarándose a Sarah y mostrándole su amor. Amor por otro lado imposible, ya que, como ocurriera tantas y tantas veces con anteriores amantes, Miriam sabe que no puede permitirse el lujo de amar a alguien para siempre. El vampirismo tal y como está entendido en esta película no afecta del mismo modo a Miriam y sus víctimas, las cuales están condenadas a envejecer y marchitarse al cabo de un período de tiempo indefinido. En cierto modo, la relación entre la vampira y su amante se nos presenta tan imposible como la que unía a la bella india y su sirviente. En este sentido, podemos considerar esta aria como el tema de amor de Miriam y Sarah.



4.3.c) Finalmente, llegamos al que podríamos considerar el tema principal de la película, el tema que condensa perfectamente el espíritu de esta preciosa película. Nos estamos refiriendo al "Trio In E-Flat, Op. 100" de Schubert, una maravilla para piano y cuerdas que aparece en la edición de Varèse en dos extractos de 3:10 y 4:54 respectivamente. Esta bellísima pieza capta a la perfección el tono de la historia. Es una música elegante, refinada, delicada, describiendo a la perfección el carácter de Miriam y también su relación con John Blaylock. La preciosa melodía aparece interpretada primero al piano, y después se añade una trío de cuerda que refuerza el carácter trágico del personaje. Es una música de corte triste y melancólico, como la vida que le toca vivir a Miriam, incapaz de poder compartir su eternidad con otra persona como ella. La exquisita fragilidad de esta pieza ahonda en el espíritu de Miriam. No sólo es el tema principal de la película, sino también el tema de la vampira. Es admirable hasta qué punto esta serie de piezas clásicas se adaptan a la perfección a la historia de la película, supliendo con creces las obvias carencias y limitaciones del horrendo score de Rubini y Jaeger.




4.4.) Conclusiones.

En definitiva, la edición del score ofrecida por Varèse Sarabande es únicamente recomendable por las piezas de Schubert, Bach y Delibes, por lo que, en caso de tener ya dichas piezas en grabaciones de música clásica, no encuentro otro motivo para adquirir este cd que no sea la necesidad de completar nuestra colección de artículos relacionados con esta obra de arte. Es una pena, no obstante, que algunos exquisitos momentos musicales incluidos en la película no aparezcan recogidos en esta edición. En estos momentos recuerdo dos en concreto: en primer lugar, un fragmento del bellísimo "Miserere" de Gregorio Allegri, utilizado en la escena en la que Miriam lleva a John al ático junto a sus otros “ex-amantes”;



el segundo momento musical es una de las piezas a piano interpretadas por Miriam hacia el final de película, antes del impactante clímax final. En cualquier caso, y pese a los inconvenientes que podamos achacar a la presentación de la música en el cd de Varèse, la adecuación de todos y cada uno de los temas en la película es una realidad innegable. Y aunque la película podría haberse beneficiado sobremanera de un buen score compuesto ad hoc para la película, el uso de temas clásicos como base para apoyar la narración y presentar los personajes consigue con creces suplir dicha carencia y solventar el problema. Al fin y al cabo, pudiendo contar con Schubert y algunos compositores barrocos... ¿quién necesita más?

Calificación de la película: ***** sobre *****
Calificación del score de Rubini&Jaeger: ** sobre *****