El Gabinete del Doctor Lynch: 2024

martes, 24 de diciembre de 2024

Cónclave (Edward Berger, 2024)

Sinopsis: Tras la inesperada muerte del Sumo Pontífice, el cardenal Lawrence (Ralph Fiennes) es designado como responsable para liderar uno de los rituales más secretos y antiguos del mundo: la elección de un nuevo Papa. Cuando los líderes más poderosos de la Iglesia Católica se reúnen en los salones del Vaticano, Lawrence se ve atrapado dentro de una compleja conspiración a la vez que descubre un secreto que podría sacudir los cimientos de la Iglesia.

La nueva (y gran) película del guionista y director de cine alemán Edward Berger después de su laureada "Sin novedad en el frente" ("Im Westen nichts Neues", 2022) evoca, de alguna manera, el pulso de aquellos thrillers políticos estadounidenses de la década de los 70. El fascinante libreto de Peter Straughan adapta la obra homónima del escritor británico Robert Harris, desgranando los conflictos de intereses que se van fraguando en el seno del Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano durante el desarrollo de un cónclave papal.

Tributo a Vangelis (1943-2022)

“Los sintetizadores (…) son para aproximarse a la naturaleza (...) La gente dice que la música sintetizada es muy fría, pero no es la música, sino quien está detrás, el músico.”

Evángelos Odysséas Papathanassíou (1943-2022), mundialmente conocido como Vangelis, es, sin lugar a dudas, uno de los más grandes, innovadores y polifacéticos genios que haya dado la música instrumental del siglo XX. Nacido en Volos (antigua Agria), Grecia, en el seno de una familia acomodada, mostró interés por la música a muy temprana edad, y a los 6 años daría su primer concierto en un teatro local en donde presentaría sus propias composiciones. Esta vocación musical iría unida, desde sus inicios, a una irrefrenable inquietud por experimentar con el mundo de los sonidos: por ejemplo, gustaba de introducir clavos y utensilios de cocina dentro de instrumentos como el piano, a fin de extraer distintos efectos y sonoridades del mismo.

De formación eminentemente autodidacta pese a los infructuosos intentos de sus padres por darle una formación musical académica, iría desarrollando un estilo propio y personal basado muy especialmente en su portentosa capacidad de improvisación. Según sus propias declaraciones: “(…) Cuando los maestros me pedían que tocara algo, yo hacía como que estaba leyendo la partitura, pero en realidad tocaba de memoria. No logré engañarlos, pero no me importó.” Desde su manera personal de entender y sentir la música, esta clase de instrucción, de carácter normativo, no era más que una traba a la creatividad que pugnaba por expresarse.

Hace cinco años, el director neoyorquino Todd Phillips sorprendió a propios y extraños con un inusual proyecto que buscaba indagar en los orígenes del Joker, el mítico personaje de cómic creado por Bill Finger (1914-1974) Bob Kane (1915-1998) y Jerry Robinson (1922-2011) en la década de los 40. Caracterizado por un grotesco rictus que deforma su rostro en una constante y turbadora sonrisa, dicho personaje estaría, muy posiblemente, inspirado en Gwynplaine, el protagonista de la maravillosa "El hombre que ríe" (1928) de Paul Leni (1885-1929), la cual estaba basada, a su vez, en el gran clásico de Victor Hugo (1802-1885) "L'homme qui rit" (1869).

Apoyado en la muy sólida labor de interpretación de Joaquin Phoenix, el cual suele encontrarse muy a gusto en este tipo de papeles, Phillips aprovechó la oportunidad que se le brindaba para perfilar un brillante estudio de personaje en donde desgranaba, con la meticulosidad de un cirujano, la transición del pusilánime Arthur Fleck al sociópata conocido como Joker. La versión del director, por cierto, difería de las que retrataban inicialmente al personaje como un ladrón, un trabajador de una planta química o un gánster que trabaja para mafia. Phillips se tomó las licencias que necesitaba para plantear una suerte de origen alternativo del villano y empezar, así, de cero después de las maravillosas e impecables caracterizaciones ofrecidas por Jack Nicholson y Heath Ledger (1979-2008) en "Batman" (1989) y "El caballero oscuro" ("The Dark Knight", 2008), dirigidas por Tim Burton y Christopher Nolan, respectivamente.

La zona de interés (Jonathan Glazer, 2023)

“Hice esta película para hablar acerca de nuestra capacidad, como seres humanos para la violencia; y nuestra capacidad de disociarnos de los horrores cometidos en nuestro nombre”

(Jonathan Glazer)

Después de unos cuantos años curtiéndose en la dirección de vídeos musicales, el realizador británico Jonathan Glazer se estrenó en el formato largometraje en el año 2000 con ese disfrutable thriller con acento cockney titulado "Sexy Beast". La película era un vehículo para el lucimiento de un magnético y carismático Ben Kingsley en uno de los mejores papeles de toda su carrera. Ahí es nada. Cuatro años después, Glazer volvería con "Reencarnación" (“Birth”, 2004), una película que me dejó bastante frío a pesar del indudable interés que me genera el tema que aborda la historia y, por supuesto, ese magistral primer plano estático del final, en donde una maravillosa Nicole Kidman nos lo dice todo sin mediar palabra alguna.

Después de un largo hiato de cerca de 10 años volcado en la realización de cortometrajes y vídeos musicales, el director retomaría de nuevo el largometraje, sorprendiendo a propios y extraños con una, a priori, interesante propuesta conceptual titulada "Under the Skin" (2013). Aunque, sin lugar a dudas, cuenta con algunos momentos visualmente potentes, su aséptica narrativa me resultó una vez más, en su conjunto, algo aburrida. Ni siquiera la cálida y arrebatadora belleza de Scarlett Johansson en el papel de la seductora alienígena conseguiría contrarrestar esa gelidez global que, ahora sí, parecía que iba a ser ya un elemento definitorio de la identidad de Glazer como cineasta y narrador de historias.

Lo primero que llama la atención de este extraordinario drama psicológico de Todd Haynes es la reutilización de la maravillosa música compuesta por Michel Legrand (1932-2019) para el clásico de ese inmenso cineasta que fue Joseph Losey (1909-1984), "The Go-Between" (1971), estrenada por estos lares como "El Mensajero". ¿Cuál es la conexión entre las dos películas? ¿Qué llevaría al cineasta y su compositor Marcelo Zarvos a tomar semejante decisión?

Para empezar, ambas películas abordan el tema de un amor tabú entre un menor de edad con una mujer adulta. En la película de Losey, cuyo inteligente guion a cargo de Harold Pinter (1930-2008) adaptaba la novela de L.P. Hartley (1895-1972), el que sentía un niño de 12 años llamado Leo (Dominic Guard) por una radiante dama de clase aburguesada (Julie Christie); en la de Haynes, el que nació entre Gracie (Julianne Moore), una maestra de 34 años, y su alumno Joe (Charles Melton), de... efectivamente, también 12 años. Relación esta última que, por cierto, está basada en hechos reales, más concretamente en el polémico caso de Mary Kay Letourneau, una maestra estadounidense condenada en 1997 por mantener relaciones sexuales con un alumno suyo adolescente, con quien, posteriormente, se uniría en matrimonio.

Titulada originalmente "El Bastardo" ("Bastarden", 2023), la nueva película del director Nikolaj Arcel es una suntuosa y, ciertamente, vistosa producción danesa ambientada a mediados del siglo XVIII. Una suerte de neowestern nórdico, en donde nuestro protagonista, Ludvig Kahlen (Mads Mikkelsen), un empobrecido y desclasado capitán se propone, a la usanza de los primeros colonos del Oeste norteamericano, conquistar los, aparentemente, yermos páramos de Jutlandia, en donde sólo crecen brezos, y fundar allí una colonia para la mayor gloria del rey Cristián VII (1749-1808).

Hijo bastardo de un noble y una doncella, Kahlen alberga la esperanza de obtener por parte del rey el título nobiliario que, hasta ahora, se le ha negado por su condición de "sangre manchada". En su camino hacia el reconocimiento real se interpondrán no sólo la propia tierra, agreste, hostil e inhóspita, sino también las maquiavélicas maquinaciones del despiadado y aún más ambicioso terrateniente que gobierna la zona con mano de hierro, Frederik de Schinkel (Simon Bennebjerg), el cual se considera como único señor y propietario de los páramos.

Sinopsis: Una quimera representa algo que deseamos fervientemente, pero que nunca encontramos. Para la banda de 'tombaroli', los ladrones de antiguas tumbas y de yacimientos arqueológicos, está asociada al sueño de poder dejar el trabajo y hacerse ricos sin esfuerzo. Para Arthur (Josh O’Connor), por el contrario, la quimera luce el rostro de Benjamina (Yile Yara Vianello), la mujer a la que perdió. Con tal de encontrarla, nuestro protagonista está dispuesto a enfrentarse a lo invisible y penetrar en lo más profundo de la tierra, decidido a encontrar la puerta que lleva al Más Allá de que hablan los mitos. En su osado recorrido entre vivos y muertos, bosques y ciudades, fiestas y soledades, los destinos de los personajes se entrecruzan, todos en busca de su quimera.

La quimera es un monstruoso animal mitológico con cuerpo de cabra, cola de serpiente y cabeza de león. Según el Diccionario de Símbolos, constituye una amalgama compleja de "creaciones imaginarias procedentes de las profundidades del inconsciente, que tal vez representen deseos insatisfechos, fuentes de frustración y posterior dolor". Para el erudito escritor británico Robert Graves (1895-1985), es un símbolo de la Diosa Madre en su plenitud y, su muerte, una representación del abandono de su culto, sustituido por el de los nuevos dioses masculinos.

Kinds of Kindness (Yorgos Lanthimos, 2024)

Sinopsis: Oscura fábula en forma de tríptico que narra tres historias: la de un hombre atrapado que intenta tomar las riendas de su propia vida; la de un policía aterrado porque su mujer, que había desaparecido en el mar, ha vuelto y parece otra persona; y la de una mujer decidida a encontrar a alguien con un don especial, destinado a convertirse en un prodigioso líder espiritual.

En esta co-producción irlandesa-inglesa-estadounidense el director heleno Yorgos Lanthimos vuelve a reunirse con su guionista habitual, Efthymis Filippou, con quien ya colaborara en “El sacrificio de un ciervo sagrado” (“The Killing of a Sacred Deer”, 2017), “Langosta” (“The Lobster”, 2015), “Alps” (“Alpeis”, 2011) y la que me sigue pareciendo su gran obra maestra, “Canino” (“Kynodontas”, 2009). Este reencuentro apuntaría, pues, a un posible retorno a sus orígenes después de sus dos últimas (y más convencionales) propuestas, "La favorita" (“The Favourite”, 2018) y "Pobres criaturas" (“Poor Things”, 2023).

Sinopsis: En un futuro indefinido, América se encuentra sumida en una sanguinaria guerra civil. Un equipo de periodistas y fotógrafos de guerra emprenderá un viaje por carretera en dirección a Washington DC. Su misión: llegar antes de que las fuerzas rebeldes asalten la Casa Blanca y le arrebaten el control al presidente de Estados Unidos.

Después de que el guionista y dramaturgo escocés John Hodge adaptara su novela para el filme homónimo de Danny Boyle “La playa” (“The Beach”, 2000), el escritor y director británico Alex Garland emprendería una provechosa relación con el Séptimo Arte en condición de guionista. Películas como "28 días después" (“28 Days Later”, 2022), "Sunshine" (2007), "Nunca me abandones" (“Never Let Me Go”, 2010) o "Dredd" (2012) serían, sin duda, sus proyectos más destacados dentro de esta etapa. Dos años después de esta última, Garland daría el inevitable salto a la dirección con la estimable “Ex Machina” (2014), a la que seguiría la extraordinaria "Aniquilación" (“Annihilation”, 2018), que me parece una de las mejores obras de ciencia ficción de las últimas décadas, la miniserie “Devs” (2020) y, por supuesto, la muy bizarra "Men" (2022), en donde trocaba la ciencia ficción por el horror, la cual me perturbó y fascinó a partes iguales.

En “Civil War” (2024), Garland aprovecha ese turbulento cisma social que azota en estos instantes los EEUU para plantear una suerte de distopía ambientada en lo que perfectamente podría ser una realidad paralela. No obstante, el gran acierto de la película es que en ningún momento nos llega lo que se nos cuenta como algo restringido al ámbito de la ficción, sino que, al contrario, sabe cómo sacar rédito de dicha coyuntura de neurosis sociopolítica colectiva para suscitar una interesante reflexión sobre el statu quo imperante en la actualidad.

Animalia (Sofia Alaoui, 2023): el nuevo cine espiritual marroquí

Muy de vez en cuando se estrenan, así de soslayo, películas que, lejos de contentarse con entretener, aspiran a algo más profundo y trascendente. El estado actual del mundo corrobora lo necesarias que son estas películas más espirituales, concebidas con el sano propósito de crear consciencia. "Animalia" (2023) es una de ellas.

El debut en el largometraje de la directora marroquí Sofia Alaoui tenía previsto su estreno en nuestro país para abril de 2024. Probablemente así haya sido, aunque por lo que parece únicamente se estrenó en uno o dos cines de la capital, lo cual viene, una vez más, a corroborar lo difícil que lo tiene este otro tipo de propuestas a la hora de llegar a un público más mayoritario.

La directora toma como excusa la premisa de una "invasión" extraterrestre para cuestionar los dogmas de fe, exponer la situación de desigualdad social en su país y, sobre todo, plantear una profunda reflexión sobre nuestra relación con los planos más trascendentes de la existencia, defendiendo la necesidad de un cambio a nivel planetario. Y lo hace en apenas 90 minutos.

Sinopsis: Ambientada en el mundo internacional de la música “clásica”, la película ofrece una mordaz reflexión acerca del poder, su impacto y perdurabilidad en el mundo de hoy. La historia se centra en la mundialmente famosa Lydia Tár (Cate Blanchett), compositora y primera directora titular de una de las orquestas más importantes del mundo, la Filarmónica de Berlín. Tár está a solo unos días de afrontar el mayor reto de su prometeica carrera profesional: grabar la versión definitiva de la Quinta Sinfonía de Mahler para la Deutsche Grammophon, lo cual la llevará a la cúspide de su ya formidable carrera. Sin embargo, su vida personal y una serie de moralmente cuestionables decisiones van a ir interfiriendo en su carrera musical, con consecuencias imprevisibles.

"TÁR" (2022) marca el regreso a la dirección del actor, guionista y director estadounidense Todd Field, después de un extenso hiato desde su anterior película, “Juegos secretos” (“Little Children”, 2006). Antes de dar el salto a la dirección con “En la habitación” (“In the Bedroom”, 2001), Field había iniciado una carrera más o menos regular como actor en papeles secundarios desde finales de la década de los 80. En el año 1999, el Maestro Stanley Kubrick lo fichó para su canto del cisne, Eyes Wide Shut, en un rol que le permitiría además aprovechar y poner en práctica sus estudios musicales en la universidad. Con tan sólo tres películas dirigidas en un periodo de más de dos décadas, no resulta del todo descabellado suponer que Field no es de esos directores que se venden a la industria por motivos económicos. Según sus propias declaraciones a la prensa:

“Yo no hago películas por dinero. No empecé a hacer películas por dinero, preferiría permanecer como un cineasta amateur y, de hecho, me considero un cineasta amateur, si eso significa que lo haces solo por amor. No quiero ganarme la vida haciendo películas. Te quita demasiado tiempo. Este proyectó me llevó dos años y fue un proyecto muy desafiante en el que trabajar, pero no lo hice para ganarme la vida”.

Las ocho montañas (Felix Van Groeningen & Charlotte Vandermeersch, 2022)

"Fue un anciano nepalí, tiempo después, el que me habló de las ocho montañas…

Nosotros decimos que en el centro del mundo hay un monte altísimo, el Sumeru. Alrededor del Sumeru hay ocho montañas y ocho mares. Ese es el mundo para nosotros…

Y decimos: ¿habrá aprendido más quien ha recorrido las ocho montañas o quien ha llegado a la cumbre del monte Sumeru?"

(Fragmento de la novela "Las Ocho Montañas" de Paolo Cognetti)

Sinopsis: Pietro (Luca Marinelli) es un chico de ciudad, mientras que Bruno (Alessandro Borghi) es el último niño de una localidad de montaña olvidada. Con el paso de los años, Bruno se mantiene fiel a su montaña, mientras que Pietro viene y va. Sus experiencias le harán enfrentarse al amor y a la pérdida, recordándoles sus orígenes y abriendo paso al destino.

John Wick: Capítulo 4 - Baba Yaga (Chad Stahelski, 2023)

Sinopsis: Después de los eventos de la anterior película, John Wick (Keanu Reeves) se prepara para vengarse de la Alta Mesa mientras se esconde en la clandestinidad con el Rey del barrio (Laurence Fishburn). Por su parte, el marqués Vincent de Gramont (Bill Skarsgård), miembro de la Alta Mesa, viaja a París y recluta a Caine (Donnie Yen), un asesino ciego y retirado de la Alta Mesa, para que mate a su viejo amigo John, amenazando con asesinar a su hija en caso contrario. El director del Hotel Continental de Nueva York, Winston Scott (Ian McShane), aconseja a John que invoque una vieja tradición de la Alta Mesa para retar a de Gramont a un duelo. Ganar liberaría a John de todas sus obligaciones con la Alta Mesa, pero sólo puede solicitar un duelo en nombre de una familia criminal. Por ese motivo, viajará a la sede berlinesa del sindicato del crimen Ruska Roma, con el que había roto lazos, para solicitar su readmisión. Su hermana adoptiva, Katia (Natalia Tena), accederá a su petición a cambio de que John mate antes a Killa (Scott Adkins), un miembro de la Alta Mesa que asesinó a su padre.

1. Introducción

Tengo un entrañable recuerdo del tipo de cine de entretenimiento que solía ver en mi adolescencia. Películas de acción protagonizadas por figuras como Steven Seagal, Chuck Norris o Mark Dacascos, todos ellos auténticos maestros con conocimientos reales de artes marciales que lucían sus habilidades técnicas en la gran pantalla. Por supuesto, las modas cambian, y un buen día ese modelo de cine protagonizado dejó de ser popular en occidente, especialmente con la llegada del nuevo siglo, viéndose desplazado por otro que hacía de los efectos especiales generados por ordenador su principal reclamo.

Fue a partir de entonces que empezamos a ver cada vez más y más películas de acción protagonizadas por actores y actrices sin el menor bagaje en artes marciales, mientras que auténticos expertos en esta materia como Michael Jai White o Scott Adkins se veían relegados a producciones concebidas directamente para el mercado doméstico y estrenadas en DVD, Blu-Ray o, posteriormente, plataformas.

Mientras tanto, paralelamente, en el cine oriental, el género de artes marciales se mantenía en un óptimo estado de salud gracias a figuras como Tony Jaa, Iko Uwais, Vidyut Jamwal, Tak Sakaguchi, Jet Li, Wu Jing o Donnie Yen, por citar unos pocos ejemplos, los cuales seguirían apostando por un tipo de cine de acción más a la vieja usanza sin renunciar, por ello, a una actualización y revitalización de los códigos por los que éste se había ido rigiendo desde hacía décadas. Ni que decir tiene, la mayoría de estas películas, como "Ip Man" (2008) o “Redada asesina 2” ("The Raid 2: Berandal", 2014), no llegarían siquiera a estrenarse en cines por estas latitudes.

Godland (Hlynur Palmason, 2022)

El director islandés Hlynur Pálmason se inspira, supuestamente, en las primeras fotografías que se conservarían de la costa de Islandia, tomadas por un danés a finales del siglo XIX, para narrar, en su tercer largometraje, la historia de un sacerdote que viaja de Dinamarca a Islandia (aún colonia danesa) con la misión de construir allí una iglesia y, de paso, realizar un estudio etnográfico de sus habitantes a través de su cámara.

Sinopsis: Mahito, un joven de 12 años, lucha por asentarse en una nueva ciudad tras la muerte de su madre. Sin embargo, cuando una garza parlante le informa de que su madre sigue viva, entrará en una torre abandonada en su busca, lo que le llevará a otro mundo, compartido por los vivos y los muertos. Allí es donde la muerte llega a su fin y la vida encuentra un nuevo comienzo. La película nos ofrece una conmovedora y deslumbrante fantasía semiautobiográfica sobre la vida, la muerte y la creación.

"El chico y la garza" (“Kimitachi wa dô ikiru ka”, 2023) nos brinda la nueva ensoñación del gran Maestro tokiota Hayao Miyazaki, co-fundador del mítico Studio Ghibli, el cual regresa a los 82 años de edad para volver a reivindicar el cine de animación como una elevada y exquisita forma de arte capaz de apelar a nuestras emociones más profundas.

La película combina animación digital y tradicional para lograr un espectáculo visual exuberante y embriagador (qué impresionante es la escena inicial del incendio). Todo ello al servicio de esa desbordante imaginación de la que Miyazaki lleva haciendo alarde desde hace más de cuatro décadas, como puede apreciarse en algunas de sus obras maestras más tempranas: “Lupin III: El castillo de Cagliostro” (“Rupan Sansei: Kariosutoro no Shiro”, 1979) y “Nausicaä del valle del viento” (“Kaze no Tani no Naushika”, 1984).

Sinopsis: Giovanni, un conocido cineasta italiano, se prepara para rodar su nueva obra, una película sobre la vida de un intelectual comunista en el fatídico 1956, año de la invasión soviética de Hungría. Sus problemas conyugales y familiares se unirán a los de un rodaje, cuando menos, convulso. Llevado al límite por toda una avalancha de calamidades, Giovanni va a tener que replantearse su manera de hacer las cosas, si es que, realmente, está dispuesto a dar un salto hacia un futuro algo más brillante.

El gran Nanni Moretti vuelve a rodearse de algunos de sus habituales colaboradores (Silvio Orlando y Margherita Buy, entre otros) para regalarnos su triunfal regreso a la dirección desde “Tres pisos” ("Tre piani", 2021). Es también su regreso a la comedia satírica después de muchos años, y lo hace por todo lo alto con la que sin duda está llamada a ser una de las más brillantes e ingeniosas obras de toda su filmografía.

Ya en el propio cartel de “El sol del futuro” ("Il sol dell'avvenire", 2023) encontramos una referencia, en absoluto velada, a una de sus películas cómicas más apreciadas por el público, “Querido diario” ("Caro diario", 1993), estrenada justamente hace 30 años. En este caso se reemplaza la ya icónica vespa por el patinete eléctrico para satirizar, con la agudeza y el sarcasmo que le caracterizan, eso que llamamos "la modernidad".

Los asesinos de la luna (Martin Scorsese, 2023)

Sinopsis: A principios del siglo XX, el petróleo brindó una gran fortuna a la Nación Osage, que se convirtió en uno de los pueblos más ricos del mundo de la noche a la mañana. La riqueza de estos nativos americanos atrajo inmediatamente a intrusos blancos que manipularon, extorsionaron y robaron tanto dinero como pudieron antes de recurrir al asesinato. Basada en una historia real y contada a través del improbable romance entre un hombre blanco y una indígena Osage, "Los asesinos de la luna" explora uno de los capítulos más oscuros de la historia fundacional de los Estados Unidos de América.

Martin Scorsese pertenece a una generación gloriosa en la historia del cine norteamericano. La misma generación a la que pertenecen titanes como Francis Ford Coppola, William Friedkin, Arthur Penn, Sam Peckinpah, Robert Altman, Peter Bogdanovich, Woody Allen, Brian De Palma, Paul Schrader, Sydney Pollack, Sidney Lumet, Michael Cimino y, por supuesto, mi adorado Terrence Malick, el más espiritual de todos ellos.

Es una generación de grandes cineastas y, también, narradores. De todos ellos, Scorsese siempre ha sido uno de los mejores. Actualmente no hay muchos directores en activo que sepan narrar una historia como él. Es tan rematadamente bueno en lo suyo, que puede permitirse apelar a nuestra paciencia, fidelidad y atención durante las tres horas y media que dura su último trabajo, "Los Asesinos de la Luna" (“Killers of the Flower Moon”, 2023), en la convicción de que el interés por la historia que nos está contando no va a decaer, en ningún momento, en aburrimiento.

Después de incursionar en el género del terror con las películas “La bruja” (“The Witch”, 2015) y “El faro” (“The Lighthouse”, 2019), el director norteamericano Robert Eggers se consagra como una de las voces más personales e interesantes del panorama cinematográfico actual con esta shakespeariana historia de vikingos, una ambiciosa obra de madurez que consigue desmarcarse del tono de sus anteriores proyectos sin renunciar a su muy personal estilo visual y narrativo. El cineasta nos demuestra que es posible (y necesario) elaborar un cine de entretenimiento adulto y que vaya totalmente a contracorriente de las modas imperantes en la actualidad, aunando espectáculo y un sentido artístico poco común en este tipo de producciones. Éste es, sin duda, uno de los principales logros de la película.

Resulta emocionante ver a Eggers realizar la transición a proyectos de esta envergadura sin traicionar sus señas de identidad, tanto estéticas como narrativas. No sólo no reniega de ellas, sino que muestra una encomiable evolución artística con respecto a sus dos anteriores películas, bastante más sobrias en su envoltorio formal y de cadencia mucho más pausada. Si bien en “La bruja” este tempo contribuía eficazmente, sin lugar a dudas, a tejer una fatídica y opresiva telaraña que engullía nuestra alma en un abismo de desolación, en el caso de “El Faro”, por el contrario, dicha parsimonia en el desarrollo narrativo de la historia derivaba en serios problemas de ritmo que terminaban lastrando una película excesiva y tremendamente irregular.

"La música no es entretenida, sino una oportunidad única de pasar de lo transitorio a lo eterno" (Maestro Sergiu Celibidache)

Dirigida por Marie-Castille Mention-Schaar, "Divertimento" recrea la historia real de Zahia Ziouani, una chica francesa de origen argelino que vive en un barrio a las afueras de París y que luchará contra todo tipo de prejuicios sociales, raciales y de género para cumplir su sueño de convertirse en directora de orquesta. No es ésta, por cierto, la primera película en abordar el papel de la mujer en un mundo tan hermético como éste, el de la dirección de orquesta, tradicionalmente reservado a los hombres.

Hace cinco años, sin ir más lejos, la directora, productora y guionista holandesa Maria Peters estrenó "La directora de orquesta" ("De Dirigent", 2018), en donde se abordaba la historia, también real, de Antonia Louisa Brico (1902-1989), directora de orquesta y pianista neerlandesa que tiene el honor de haber sido, además, la primera mujer en dirigir la Berliner Philarmoniker y la New York Philharmonic Orchestra. Por supuesto, a principios de 2023 el director Todd Field estrenó en nuestro país la magistral "TÁR", una de las grandes Obras Maestras de ese año. En cierto modo, podríamos considerar la obra que aquí nos ocupa como el reverso luminoso y amable de la obra de Field.

Adaptar al cine (o cualquier otro medio) la vida de una personalidad de la magnitud artística y cultural de Leonard Bernstein (1918-1990) conlleva una enorme responsabilidad. El responsable debe tomarse la molestia de indagar en el legado del homenajeado y, por supuesto, estar intelectualmente a la altura del desafío que supone adentrarse en la mente y el alma de un genio de tal calibre.

Soy plenamente consciente, por cierto, de que "genio" es una palabra que usamos muy a menudo y, muchas veces, demasiado a la ligera. Hasta tal punto es así, que podría parecer que ha llegado incluso a perder un poco su sentido primordial, es decir, "la capacidad mental extraordinaria para crear o inventar cosas nuevas y admirables" (RAE dixit).

Leonard Bernstein fue un Genio. De los de verdad. Su aportación a las artes y la cultura del siglo XX, es algo invaluable. Desgraciadamente, si te acercas a la película "Maestro" (Bradley Cooper, 2023) con la ingenua predisposición a descubrir quién fue Bernstein y por qué está considerado como una de las más grandes batutas del siglo XX... ¡ay! lo más probable es que tu percepción de la figura de Lenny no se haya enriquecido o expandido lo más mínimo después de verla.

"MacBeth" es uno de los mayores logros, no sólo dentro del inigualable corpus del genio de Stratford-upon-Avon, William Shakespeare, sino también de toda la literatura universal, inspirando a grandísimos cineastas de la talla de Orson Welles, Akira Kurosawa y Roman Polanski, los cuales nos han legado magistrales adaptaciones de la tragedia (1948, 1957 y 1971, respectivamente) que han pasado al rico acervo cultural de la Humanidad.

Imperio de luz (Sam Mendes, 2022)

El Cine ha sido y es una constante fuente de inspiración, no sólo para el gran público que asiste regularmente a las salas para disfrutar de las películas tal y como éstas merecen ser experimentadas, sino también, para los propios cineastas que han hecho del Séptimo Arte, además de su profesión, su misma forma de vida. Cuando un realizador se sirve de una película para hablar sobre cine, revelando los entresijos de la industria y/o mostrando los pormenores relativos al proceso de creación de una obra cinematográfica, estaríamos hablando de lo que, en la jerga filológica, se conoce comúnmente como "metacine", es decir, "cine dentro de cine".

Existen demasiados ejemplos de este fascinante subgénero como para pretender enumerarlos todos, pero ahí iría una pequeñísima muestra: "El Crepúsculo de los Dioses" (1950) de Billy Wilder, "Cautivos del Mal" (1952) de Vincente Minnelli, "Cantando bajo la Lluvia" (1952) de Stanley Donen & Gene Kelly, "8 1/2" (1963) de Federico Fellini, "La Nuit Américaine" (1973) de François Truffaut, "Arrebato" (1979) de Ivan Zulueta, "Cinema Paradiso" (1988) de Giuseppe Tornatore, "Ed Wood" (1994) de Tim Burton, "La Mirada de Ulises" (1995) de Theodoros Angelopoulos, "Bowfinger, el pícaro" (1999) de Frank Oz, "La Sombra del Vampiro" (2000) de Elias Merhige, "The Artist" (2011) de Michel Hazanavicius, "La Invención de Hugo" (2011) de Martin Scorsese, "Al encuentro de Mr. Banks" (2013) de John Lee Hancock, "La ciudad de las estrellas (LA LA LAND)" (2016) de Damien Chazelle, "Érase una Vez en Hollywood" (2019) de Quentin Tarantino y, más recientemente, "La Última Película" (2021) de Pan Nalin y "Babylon" (2022) de Damien Chazelle.

"Ennio Morricone, el Maestro" es un documental excepcional que recorre la vida y obra de uno de los más importantes e innovadores compositores cinematográficos de la Historia; quizás, el que más ha conseguido llevar la música del cine al gran público, cautivándolo con pegadizas a la par que muy elaboradas melodías que han pasado a la historia del acervo musical del siglo XX: el Maestro Ennio Morricone (1928-2020). La batuta la lleva, en esta ocasión, el célebre director siciliano Giuseppe Tornatore, con quien Morricone desarrollara uno de los capítulos más memorables de una extensa carrera que abarca más de cinco décadas (1961-2016).

A priori, un documental como éste podría parecer un proyecto abocado al más estrepitoso de los fracasos. Primero, por su generosa duración de dos horas y media, y segundo, por atreverse a profundizar en cuestiones de índole musical y compositiva que únicamente podrían atraer a un aficionado a la temática del documental. No parece éste, al menos sobre el papel, un documental para curiosos cuyo conocimiento de (e interés por) la música del Maestro Morricone se reduzca a sus invaluables aportaciones al género del spaghetti western, o grandes clásicos como "The Mission" ("La Misión", 1986) de Roland Joffé y "Novecento (1900)" (1976) de Bernardo Bertolucci.

Perfect Days (Wim Wenders, 2023)

Nacido en Düsseldorf en el año 1945, Ernst Wilhelm (Wim) Wenders es uno de los máximos representantes de ese Nuevo Cine Alemán que surgió entre las décadas de los 60 y 80 y que estaría también abanderado por los cineastas Rainer Werner Fassbinder y, muy en especial, mi admirado Werner Herzog.

En su primer largometraje, "Verano en la ciudad" (1971), ya se podían apreciar algunas de las obsesiones temáticas recurrentes que marcarán toda su fimografía: la crisis existencial como propulsora de la búsqueda de la identidad a través del viaje, tanto interior como exterior, la relación antagónica de amor-odio hacia el "American way of life" o la alienación, soledad e incomunicación del hombre contemporáneo.

El director vietnamita afincado en Francia Trân Anh Hùng (El olor de la papaya verde, 1993) reúne a Benoît Magimel y Juliette Binoche, los cuales fueron pareja en la vida real, para protagonizar su nueva película, La passion de Dodin Bouffant, seleccionada por el país galo para competir por el Oscar en la categoría de “Mejor Película Internacional” después de que se alzara con el “Premio a la Mejor Dirección” en el Festival de Cannes de este año.

La película es una adaptación libre de la obra La vie et la passion de Dodin-Bouffant, gourmet, escrita por el novelista, dramaturgo, periodista, historiador y escritor gastronómico suizo Marcel Rouff en el año 1920. Ambientada en un château de la campiña francesa a finales del siglo XIX, el director nos narra, con una elegancia exquisita, la plácida y conmovedora relación sentimental que se establece entre Eugenie, una cocinera de prestigio, y Dodin, el célebre chef y gourmet para el que trabaja desde hace unos 20 años. Un amor, pues, cuajado a fuego lento.

Es una película en donde no hay nada que entender. Si entras con el piloto automático de demandar lógica, razón, verdad, cronología, estructura, te vas a pelear con la película. Invito que la gente desconecte esa parte racional, que no vaya con la mente que piensa, sino con la mente que sabe, con el corazón. (Alejandro González Iñárritu)

Bardo, Falsa Crónica de unas Cuantas Verdades es el primer largometraje del laureado cineasta Alejandro González Iñárritu desde la excepcional El Renacido (The Revenant, 2015), película por la que recibiría su segundo Óscar en la categoría de Mejor Director (el primero se lo reportaría Birdman, o la inesperada virtud de la ignorancia un año antes) y sendos Globos de Oro en las categorías de Mejor Director y Mejor Película Dramática. Un palmarés ciertamente loable que vendría a refrendar el extraordinario talento del que, a día de hoy, está considerado como uno de los realizadores más importantes del Séptimo Arte.

Según la sinopsis oficial, la película nos propone una experiencia épica, inmersiva y visualmente sorprendente en torno al personaje de Silverio Gama, un renombrado periodista y documentalista mexicano residente en Los Ángeles que, con motivo de la recepción de un prestigioso premio internacional, se ve obligado a regresar a su país de origen y hacer las paces con su pasado, en un surrealista viaje de tintes existenciales que aborda temas tan diversos como la migración, la pérdida, la desubicación, la familia, el éxito o la memoria histórica.

Hasta donde alcanza mi memoria, ésta es la tercera película que he visto con el título de “Samsara”. La primera, por supuesto, fue ese gran clásico del cine espiritual dirigido por Pan Nalin en el año 2001. Diez años después, por supuesto, llegaría aquel hermoso viaje sensorial de Ron Fricke, concebido como una secuela inconfesa de su obra maestra “Baraka” (1992). La palabra saṃsāra, por cierto, proviene del sánscrito saṃsārí, cuyo significado vendría a ser algo así como 'fluir junto', 'pasar a través de diferentes estados', 'vagabundear'; hace referencia al ciclo constante de nacimiento, vida, muerte y reencarnación en la mayoría de las corrientes filosóficas y religiosas originadas en la India, muy especialmente el hinduismo y el budismo.

El artista conceptual y cineasta vigués Lois Patiño, uno de los máximos exponentes del Novo Cinema Galego presenta aquí su segunda gran docu-ficción después de la hipnótica "Lúa Vermella" (2020). Al igual que aquélla, "Samsara" es un largometraje que flirtea tanto con el cine experimental como con el cine documental, género este último en donde el director posee una amplia y dilatada experiencia. Patiño propone una experiencia inmersiva profundamente espiritual que fue reconocida, tras su paso por la Berlinale, con el Premio Especial del Jurado.

Basil Poledouris es conocido mundialmente por ser el compositor de una de las bandas sonoras más emblemáticas, maravillosas y perfectas de la historia del cine. Por supuesto, me refiero a “Conan el Bárbaro”, por mucho que ésta no sea, por supuesto, la única obra maestra que nos haya legado (cómo olvidar “Los Señores del Acero”, “Adiós al Rey”, “Los Miserables”, “Starship Troopers” y tantas y tantas otras). Pero “Conan el Bárbaro”… ésta juega en una liga propia, ¿verdad? A partir de este momento el compositor viviría una suerte de Edad Dorada en donde iría encadenando grandes proyectos, grandes triunfos, grandes logros… que lo convertirían en uno de los grandes compositores cinematográficos de la década de los 80 y 90. Dicha Edad Dorada había pasado ya cuando conocí a Basil aquel verano del año 2006, en Úbeda (Jaén).

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Avatar: el sentido del agua (James Cameron, 2022)

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sábado, 17 de agosto de 2024

Living (Oliver Hermanus, 2022)

inochi mijikashi koi seyo otome

kurokami no iro asenu ma ni

kokoro no honoo kienu ma ni

kyou wa futatabi konu mono wo

La vida es corta, enamórate, chica,

antes de que el color negro del pelo pierda su fuerza,

antes de que la llama del corazón se apague.

No volverá nunca a repetirse el día de hoy.

En el año 1952 el Gran Maestro Akira Kurosawa estrenó una de las grandes joyas del Séptimo Arte, titulada Ikiru ("Vivir"). Ambientada en el Japón de la posguerra, el filme transita por los últimos resquicios de vida de un funcionario de mediana edad al que le diagnostican un cáncer terminal de estómago, lo cual le hará replantearse los criterios por los que se ha regido su existencia durante los últimos treinta años. El guion de la película, fruto de la colaboración del célebre director tokiota con en el reconocido guionista Shinobu Hashimoto y el escritor Hideo Oguni, se inspiraba en un relato corto del escritor León Tolstói que llevaba por título La muerte de Iván Ilich (1886). Roger Ebert, célebre crítico americano del Chicago Sun-Times, llegó a afirmar que Ikiruera “una de esas escasas películas que realmente podría inspirar a alguien a cambiar su vida”.

Tan sólo un año después, su compatriota Yasujirō Ozu presentaría su gran obra maestra, Tōkyō monogatari ("Cuentos de Tokio"), la cual, junto con Ikiru, formarían un díptico fundamental para entender (y valorar) la inconmensurable contribución nipona al arte cinematográfico en su vertiente más social durante la segunda mitad del siglo XX. Ambas películas abordarían temas tan profundos como la alienación humana, la deshumanización de la fagocitaria burocracia, las relaciones paterno-filiales, marcadas por un insalvable abismo intergeneracional, y el sentido mismo de la vida.

70 años después de aquélla, nos llega esta suerte de remake británico dirigido por el cineasta sudafricano Oliver Hermanus. Las labores de guion recaen, en esta ocasión, en el escritor británico de origen japonés Kazuo Ishiguro, flamante recipiente del premio Nobel de Literatura en el año 2017. Todo un aval de garantía, ciertamente, para una película pergeñada bajo la sombra del gran clásico de Kurosawa, lo cual podría incitar a una acogida, cuanto menos, tibia y prejuiciada por parte de los cinéfilos más puristas. ¿Realmente necesitaba Ikiru una revisión?

Un recorrido personal por la música de KLAUS SCHULZE (1947-2022)

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"Twilight of the Warriors: Walled In" (Soi Cheang, 2024).

1. Introducción

Después de un largo (larguísimo) camino de preproducción en donde se barajaron nombres como John Woo, Johnnie To y Derek Kwok para dirigirla, y estrellas como Chow Yun Fat, Andy Lau, Tony Leung Chiu-wai, Lau Ching Wan, Donnie Yen o Max Zhang para protagonizarla, finalmente la adaptación de la novela "City of Darkness" de Yu Wing Leung (y también, por extensión, del "manhua" (cómic) homónimo ilustrado por Andy Seto e inspirado igualmente en dicho relato) nos llega este año de la mano del director hongkonés nacido en Macao, Cheang Pou-soi.

Alumno espiritual del Maestro Johnnie To, Soi Cheang se ha ido labrando en los últimos veinte años una más que merecida reputación como uno de los más importantes exponentes actuales del cine de Hong Kong, prestigio refrendado por títulos tan interesantes como “Dog Bite Dog” (2006), “Shamo” (2007), “Accident” (2009), “Sha po lang II” (2015) o “Limbo” (2021). Para esta ocasión, el cineasta convoca a un variado reparto pluri-generacional que aglutina grandes veteranos como Louis Koo Tin-Lok, Aaron Kwok Fu-Shing o Sammo Hung Kam-Bo y otros actores con menos recorrido y experiencia, como Raymond Lam Fung, Terrance Lau Chun-him o Tony Wu Tsz-tung, para orquestar la que, sin duda, está llamada a ser la gran película de acción del año.

2. Kowloon, “la Ciudad de la Oscuridad”

“Twilight of the Warriors: Walled In” nos cuenta la historia de Chan Lok-kwan (Raymond Lam), un inmigrante ilegal que trata de sobrevivir en el Hong Kong de los 80 y que, por azares del destino, acaba encontrando un hogar en la mítica ciudad amurallada de Kowloon, erigida aquí en un personaje más de la historia. El origen de esta “ciudad colmena”, que en su día batió el récord de densidad de población en todo el planeta (hablamos de unos 50.000 habitantes hacinados en una superficie de algo más de 2,6 hectáreas), se remonta a la dinastía Song (960-1297). Se construyó originalmente como una fortificación militar con el fin de administrar el comercio de sal.